28 octobre 2009
Dernière escale : on rentre en France
France
PARIS,
ARCIMBOLDO, les quatre
saisons "l'automne", Musée du louvre
Parfois
satiriques, peut-être métaphysiques mais toujours très décoratifs, les
tableaux de Giuseppe Arcimboldo à la fois ludiques et étranges, ont été
considérés comme de véritables curiosités, bien que reconnus fort tard,
à la faveur de la redécouverte par les surréalistes du jeu de mots
visuel.
Né à Milan vers 1527, il serait
issu d’une noble famille mais d’une branche de moins bonne réputation,
son grand-père étant un enfant naturel.
C’est
à 22 ans qu’il commence à se faire connaître, en travaillant avec son
père, artisan peintre à la cathédrale de Milan. Il réalise alors des
cartons de vitraux, puis rapidement, se fait remarquer par Ferdinand de
Bohème qui lui commande cinq blasons pour la cathédrale. Sa renommée
commence à s’étendre. Il est appelé à Prague en 1562 au service de
Ferdinand 1er devenu empereur, comme portraitiste, fonction qu’il
continuera d’occuper sous les règnes de Maximilien II et de Rodolphe
II. Doué d’un esprit inventif et ingénieux, l’organisation des fêtes
princières lui est confiée et il est nommé conseiller artistique pour
la formation des collections impériales.
C’est
peu après son arrivée au service de Ferdinand 1er que Giuseppe
Arcimboldo commence la première série des quatre saisons, et laisse
éclater un style pictural d’une surprenante singularité : les « têtes
composées » portraits allégoriques formés d’une juxtaposition de
fruits, légumes, végétaux, symbolisant les saisons. Cette oeuvre
suscite un engouement considérable à la cour. Il peindra d’autres
séries des quatre saisons en 1572 et 1573 . D’autres portraits mêlent animaux ou objets : les quatre éléments (le le Feul'Eau, 1566, se trouvent au Kunsthistorisches Museum de Vienne) ou les personnifications de métiers (le Bibliothécaire, le Jardinier). Il obtient de Rodolphe II la faveur de retourner en Italie pour y finir ses jours, promettant de continuer à peindre. Flora sera l’un de ses derniers tableaux.
Cet artiste aux dons multiples s’éteindra en 1593 à Milan.
Ces
œuvres métaphoriques et fantastiques, véritables curiosités,
«extravagances » ou « caprices » selon certains, seront après un long
oubli, redécouvertes et remises à l’honneur par les surréalistes.
votre
page devra comporter dans son titre ou son journaling une maxime
faisant référence à une saison (du style, une hirondelle ne fait pas le
printemps)
les proverbes, poème, citations, chansons, comptines sont acceptées
Je n'ai pas fait ce challenge
27 octobre 2009
Escale N° 16 - Le Japon avec Chiho
Aoshima CHIHO
· Date de naissance : 1974
· Lieu : Tokyo, Japon
Sky
Chiho
Aoshima est une artiste contemporaine japonaise apparue dans le sillage de Takeshi Murakami. Chiho Aoshima fait partie de cette
vague japonaise issue du monde de la bande dessinée et du film d’animation.
Perfection
graphique et mécanique du divertissement poussées à l'extrême, ses oeuvres aux
couleurs appuyées ressemblent à des paysages féeriques et fantastiques.
Membre d'une
avant-scène nippone dont l'oeuvre est largement inspirée de l'univers Manga, le
travail de Chiho Aoshima repose sur des passages entre l’iconographie des arts
populaires et des médias qui posent beaucoup de questions à l’art.
Chiho Aoshima est
totalement tournée vers l’univers sophistiqué et hyper-léché propre à la BD et
aux films d’animation futuristes japonais.
Ses photographies
représentent des paysages féeriques avec des personnages disséminés ça et là,
le tout complété par des bulles de bande dessinée.
Le musée d'art
contemporain de Lyon a présenté le travail de Chiho Aoshima lors d’une
exposition fin 2006.
Tout
comme dans cette oeuvre, votre page doit avoir un arc en ciel, des papillons et
des nuages !
Petit rappel : un arc-en-ciel est constitué de 7 couleurs (Rouge-Orangé-Jaune-Vert-Bleu-Indigo-Violet). Il faudra donc voir au moins 5 des 7 couleurs.
Et voilà ma page. Je ne sais pas si elle vous plait, mais j'ai adoré la faire. Dommage elle est tronquée.
26 octobre 2009
Escale N° 15 - Le Mali
"MALI
Statuette Féminine Sénoufo. H:74cm, musée national
L'histoire
du Musée National du Mali, comme celle de la plupart des musées
nationaux d'aujourd'hui dans les pays anciennement colonisés par la
France, remonte à l'époque coloniale. Elle est intimement liée à celle
de l'Institut français d'Afrique Noire (IFAN).
Créé en 1936 à Dakar l'IFAN avait pour vocation le développement de la recherche dans les territoires colonisés.
Les
pièces constituant les collections de ce Musée sont pour la plupart des
objets archéologiques issus des fouilles de Szumowski. Sur 2512 pièces
recensées, on compte 2350 objets archéologiques et 162 objets
ethnographiques.
Cette statuette aux formes voluptueuses renvoie
au modèle assez courant dans la statuaire africaine des figures de
maternité ou de fécondité.
à partir de l'art
africain nous vous demandons de vous aussi mettre à l'honneur la femme,
la feminité, les courbes, les formes, vous ou une femme qui compte pour
vous... parait qu'on est jamais mieux servit que par soit meme (dixit
zabou) alors au travail ce challenge est votre challenge
1)
c'est à dire que vous ne devez pas mettre une femme à l'honneur par
rapport à un portrait classique. c'est vraiment les formes, la
feminité...qui doivent etre mise à l'honneur
2) votre fille c'est non, sauf si elle est elle-même déjà une femme et que la photo d'elle est en femme
à l'origine je voulais faire une page avec ma Môman, mais bien évidemment je n'avais pas de photo qui réponde au critère "courbes". Et comme mon imprimante photo n'est toujours par fonctionnelle... bref j'ai dû changer d'idée.
donc voilà :
25 octobre 2009
Escale N° 14 - Stèle en Egypte
AFRIQUE
EGYPTE
La stèle de la " Chienne " Basse époque, LE CAIRE, Musée Egyptien
Le musée égyptien du Caire est situé en plein centre du Caire,
place Tahrir; c’est l’un des plus grands musées du monde entièrement
consacré à l’antiquité égyptienne. Construit sur les plans de
l'architecte français Marcel Dourgnon et inauguré en 1902, au cœur
duCaire moderne, le musée égyptien aura reçu plus de cent millions de
visiteurs au cours du XXe siècle.
Dans cette stèle, la polychromie
qui est bien conservée aussi bien dans l'écriture que dans les
figurations nous donne un exemple d'un travail bien soigné reflétant un
souci de clarté.
S'inspirer de cette stèle pour la mise en page.
et voici la mienne :
en fait cette page s'inscrit dans un challenge Titre -doit commencer par Celui Qui et autres variations-.
j'en ai fait une double page, avec là encore un autre challenge Foule -plein de monde sur la photo.
la double page donne ça :
Escale N° 13 - Tahiti avec Gauguin
Non je n'ai pas oublié l'escale N° 12. Tout simplement, il s'agissait d'un challenge inter-équipe. Or je n'étais dans aucune équipe, puisque je faisais partie de l'organisation. Bref, on était en pause.
L'escale N° 13 avait lieu à Tahiti, avec Gauguin.
Voui, c'est moi qui l'ai proposée, car nous cherchions des artistes de l'hémisphère sud, et ma Môman habitant Tahiti, j'ai tout de suite pensé à Gauguin... (coucou Ma Moute)
OCEANIE, POLYNESIE :
Nous
abordons enfin en Océanie, et plus particulièrement à Tahiti. Vous en
profiterez donc pour prendre votre crème solaire, votre pagne, fleur de
tiaré
et on va toutes faire un tit coucou à ma Môman
Paul Gauguin, Femmes de Tahiti,
Inspiré
par les écrits de Pierre Loti, et après sa brève aventure artistique
avec Van Gogh, Paul Gauguin arrive à Tahiti en 1891, ayant obtenu une
mission officielle du gouvernement français. Il est venu à Tahiti pour tenter d’accorder son cheminement intérieur et son œuvre : « là je pourrai, au silence des belles nuits tropicales, écouter la douce musique murmurant les mouvements de mon cœur »
Gauguin
est l'un de ces personnages singulier qui se révélera comme un des plus
grands artistes, avec sa recherche effrénée pour résoudre la crise de «
la fin de l'impressionnisme ». C'est un marginal qui confond réalité
et littérature, mythe et histoire et qui fuit ses semblables pour mieux
retrouver les sources de l'art primitif et du sacré parmi les
maohis. Son rôle ambigu le voue à la légende, qu'il entretiendra
d'ailleurs de son vivant, et qui se fera encore plus fabuleuse après sa mort.
Son premier
séjour de deux ans (de 1891 à 1893) à Tahiti sera consacré à la recherche qui
lui permettra plus tard de développer une nouvelle peinture basée sur la vie quotidienne à
Tahiti et sur la mythologie polynésienne. Installé dans un village où les habitants lui servent de modèles, il s’évertue à
rendre leur expression mélancolique et rêveuse, tout en essayant de restituer
la vie simple maori.
Lors de son retour à Paris, ses œuvres suscitèrent parmi les jeunes peintres beaucoup d’intérêt, pour leur originalité, le caractère décoratif de la composition,
les couleurs vives choisies afin de rendre des états d’âme plutôt que
la réalité. Parmi ses anciens amis, certains tel Degas aiment la
peinture de Gauguin, d’autres tels Monet et Renoir la trouvèrent
mauvaise. Pissarro, quant à lui, considéra qu’il n’était pas digne
d’un homme civilisé de piller ainsi les mythes de l’Océanie qu’il
considérait comme sauvages.
En 1895, Paul Gauguin revient à Tahiti.
Il s’installe à Punaauia avec Pau’ura, une jeune fille de 14 ans, mais
ne retrouve pas les jours heureux de Mataiea. Malade, hospitalisé à
Vaiami, il pense au suicide, mais cependant c’est à cette époque que
ses peintures sont le plus empreintes de sérénité.
Gauguin
est un précurseur, il ouvre la voie à l’art moderne, notamment au
fauvisme et au cubisme, par le dépaysement, par la forme et la violence
de la couleur. Tout
en reconnaissant qu’il devait à
Pissarro son initiation à l’art, il s’éloigne des apports
impressionnistes, abandonnant l’exactitude de la représentation, il ne
reproduit pas, il suggère.
A l'instar du
tableau ci-dessus, vous me ferez une belle page ensoleillée. (Je veux
avoir chaud et envie de vacances en voyant vos pages !)
Just like the painting above, make an LO full of sun
je n'ai pas fait ce challenge, car mon imprimante photo ne fonctionne pas...
21 octobre 2009
Escale 11 : toujours aux USA
AMERIQUE DU NORD
NEW YORK
Ellsworth Kelly, Blue Green Red, 1962–63 , Met de New York
Kelly a débuté ses études d’art à l’Institut Pratt de Brooklyn en 1941. Engagé dans l’armée américaine, il a participé au débarquement en 1944. Sa division basée à Saint-Germain en Laye, Kelly a visité Paris pour la première fois. A son retour, il est entré à la School of the Museum of Fine Arts de Boston, où il a fait ses début de peintre réaliste.
En 1948, Kelly est retourné à Paris et y a séjourné 6 ans. Confronté aux influences de Matisse et Arp, il a développé sa signature basée sur des formes naturelles et d’architectures. Ses œuvres sont plus une interprétation subjective de la réalité qu’une copie descriptive.
Dans le tableau « Blue Green Red » (bleu vert rouge), il a juxtaposé trois couleurs vives afin de créer une image complexe dans laquelle couleur et forme ne font qu’un. Les bords d’une forme –le rectangle- est identifié par les bords du tableau, l’ellipse bleu s’étend au delà du tableau, nous forçant à le finir par la pensée. En dépit de l’aspect propre et précis de l’ellipse, sa forme est irrégulière et semble flotter pour rendre vie à la composition.
L’arrangement des couleurs complémentaires, est un composant essentiel de l’œuvre.
Les couleurs opposées rouge/vert ajoutent de la vivacité à l’œuvre et divise le rectangle général en deux formes distinctes.
Utilisez au moins 2 des 3 couleurs du tableau, et votre page doit avoir une vague.
Use minimum 2 out of the 3 colors on your LO. It should also include a wave.
Mamie Papa
20 octobre 2009
Escale 10 : les USA
Pointillisme
SAN FRANSISCO
Georges SEURAT "La Tour Eiffel", The Fine Arts Museums of San Francisco
Georges SEURAT 1859-1891 se rend souvent avec Signac sur l'Ile de la Grande Jatte à Asnières où il multiplie les études pour une grande composition pour laquelle il souhaite appliquer pour la première fois avec une rigueur scientifique son principe de la division des couleurs en petits points se mélangeant optiquement.
Sa réalisation lui demandera deux années d'intense travail et aboutira à son plus grand chef-d'oeuvre "Un dimanche après-midi à la Grande Jatte" 1884-86, qui sera la véritable oeuvre fondatrice du "Pointillisme".
Seurat a 25 ans et réalise là un tableau d'où se dégage une sensation de maîtrise totale, où tout est soigneusement ordonnancé, et où, à nouveau, le temps semble arrêté pour un moment de beauté pure, de paix et de silence. Avec ce tableau Seurat nous entraîne dans son univers de dignité quasi irréelle magnifié par la luminosité résultant de la division des tons. Un moment où l'art transcende le quotidien!
Faire un embellissement avec le procédé du pointillisme
Create an embellishment (not too small) with the pointillism technique
19 octobre 2009
Escale 9 : le Brésil
Beatriz Milhazes (Brésil) :
Née à Rio de Janeiro, Beatriz Milhazes a émergé sur la scène artistique brésilienne dans les années 1980. Exposée dans de nombreuses galeries et biennales internationales,
son oeuvre est aujourd’hui présente dans les collections des plus grands musées du monde.
Les toiles monumentales de Beatriz Milhazes se caractérisent d'abord par leur exubérance chromatique.
Composées d'entrelacs de formes géométriques, cercles, rayures, lignes, elles ressemblent aux images hypnotiques qui apparaissent dans les
kaléidoscopes, mais renvoient aussi à la luxuriance des paysages du Brésil, son pays natal.
Les oeuvres de l'artiste, née en 1960 à Rio de Janeiro, se trouvent dans les collections de plusieurs grands musées, comme, à New York, le Museum
of Modern Art, le Guggenheim et le Metropolitan. 
O paraiso
Comme Beatriz Milhazes, faites une page avec plein de fleurs faites avec vos propres mimines, tout aussi originales et belles les unes que les autres ! Laissez libre cours à
votre imagination !
Restrictions :
- toutes les fleurs utilisées doivent être fabriquées par vous (ou reçues lors d'un swap mais faites mains également), dans la matière de votre choix (papiers, ruban,
feutrine, transparent ou multi-matière...)
- les fleurs « tout-fait-main » (rien d'acheté) seront acceptées (en papier, 3D, dessin fait main, etc.) même très simple (voir HDP p58)
- une fleur type prima toute seule atérée avec de la peinture, de l'encre ou des paillettes n'est pas acceptée. 2 fleurs type prima collées l’une sur l’autre sera aussi refusée. Si
vous choisissez des fleurs type prima, il faudra un vrai travail de composition
- Il faut un minimum de 3 grandes fleurs (7cm et +), ou 5 fleurs de taille moyenne (entre 5 et 7cm) ou 7 petites fleurs (moins de 5cm).
Bon si vous voulez faire des combos de tailles, me consulter ! (par ex 1 GF+3 FM ou 1 GF + 5PF ou 3 MF + 5 PF)
- Tous les formats de scrap traditionnel & carterie sont acceptés
- le scrap digital est refusé mais le scrap hybride bien évidemment accepté (bah vi, les fleurs doivent être faites main).
Précisions : une page peut être tout en digital, sauf les fleurs
Like Beatriz, make your LO with many hand made flowers. (restictions too long to translate !)
Ma Fleur !
17 octobre 2009
Escale N° 8 : l'Inde
ASIE
INDE
Musée New Delhi Sulabh International
A New Delhi, le musée propose une visite ludique et
étonnante dans le monde des toilettes. Toute l’histoire des sanitaires dans le
monde est retracée grâce à des archives, des témoignages et des modèles de toilettes
. Le but de l’opération : sensibiliser la population à l'hygiène.
Le musée Sulabh fait de tous les visiteurs des experts...
en matière de toilettes. Ouvert depuis 1970, il revient sur l'histoire des
sanitaires et leurs différents modèles, grâce à des explications pédagogiques
et une collection de WC venant du monde entier.
Donc... le sujet en lui même : on
a tous une photo qui traine sur l'apprentissage de la propreté de nos enfants?
ou une photo de notre Dh en train de se soulager en pleine nature? Il ne faut
plus avoir peur d'en faire à notre tour une oeuvre d'art et de l'exposer de la
même façon que ces toilettes sont exposées et sont considérées comme des
oeuvres d'art... Si vous n'avez pas de photo même, une page racontant une
anecdote "pipi" fera bien sûr amplement l'affaire !!!
Your LO must have a picture with a link to toilets, like your child on his pot, your DH having a wee outside. If you don’t have a picture, then the journaling must relate an event or story linked to this action...
08 octobre 2009
Escale 7 : La Grèce Antique
Les peintures qui recouvraient la statuaire, les temples, les murs et portiques ont bien souvent été perdues seules les céramiques demeurent. Les céramiques peintes sont une constante de l’art grec depuis l’Age du Bronze et peu de civilisations atteignirent un tel niveau de perfection.
Dans la Grèce antique, les vases sont fabriqués en très grand nombre. C’était une céramique usuelle (vases, coupes, cruches), il est très rare de trouver des objets non fonctionnels, et par conséquent la décoration de ces objets relève du pur plaisir esthétique. Même si beaucoup de gens n’avaient pas les moyens d’acquérir de belles céramiques peintes, la production de masse était de haute qualité.
Vers la fin du VIIe siècle apparaît la technique de la « figure noire » : la peinture noire est utilisée sur un fond de terre qui passé au feu devenait orange, voire jaune ou rouge. Puis au VIe siècle, le procédé s’inverse avec la « figure rouge » : un vernis noir recouvre le vase sur lequel le dessin peint en rouge se détache. En moins de vingt ans, les céramiques à figure rouge éclipsèrent totalement leurs aînées. Il existe partout des ateliers et chaque région développe un style qui lui est propre : il y a des vases attiques, corinthiens, apuliens... Même si toutes les cités étaient en mesure de produire de la céramique bon marché, seules Corinthe et Athènes parvinrent à produire des objets exceptionnels. Presque toujours décorés, ces vases sont de véritables œuvres d’art. La décoration emprunte ses thèmes à la mythologie (dieux, héros), à la vie quotidienne de la cité (guerre, sports, banquets, sacrifices, scènes érotiques) mais jamais à la vie politique. Certains ateliers ou peintres nous sont connus par leur signature.
Faire une page où apparait une silhouette noire (animal ou humain) et une frise d'inspiration grecque (20 cm minimum).
(je ne l’ai pas fait)
Your LO must have both a Greek Border inspired from the pictures above (minimum 20cm) and a black silhouette (human or animal).
I haven’t made this one